Gemma New Podcasts
director de orquesta
- Nueva Zelanda
Última actualización
2024-05-02
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Iniciamos un doble programa monográfico dedicado a la cantante, compositora e intérprete de diversos instrumentos Amelia Cuni, fallecida prematuramente el pasado 17 de enero con solamente 65 años. Cuni nació en Milán el 1 de julio de 1958, si bien residía en Berlín desde 1992. En su periplo vital y profesional resultó particularmente significativo su contacto con la India —prolongado durante prácticamente una década—, que le sirvió para aprender las técnicas propias del canto dhrupad junto a maestros tan prestigiosos como Rahim Fahimuddin Dagar o Dilip Chandra Vedi). También estudió danza kathak y percusión, como comprobaremos a través de las sucesivas audiciones presentadas tanto en este programa como en el de la semana que viene.Comenzamos escuchando una creación en solitario de Cuni, titulada "Ad lunam" y procedente del disco "Danza d'amore", publicado en 1997 por el sello italiano New Sounds Multimedia. En ella Cuni, además de la voz, hace sonar la tambura —instrumento de cuerda pulsada procedente de la India, de la misma familia que la vina, que tiene como función principal mantener sonidos resonantes que sirven como soporte armónico de la voz y otros instrumentos—, y está acompañada por Werner Durand (a cargo de una flauta ney procesada mediante líneas de retardo digitales), Federico Sanesi (que toca diferentes instrumentos de percusión, como la tabla, campanas, címbalos y el ghatam —un pote de barro, empleado principalmente en la la música carnática, sobre el que el ejecutante emplea los dedos, los cantos y las palmas de las manos—) y Francis Silkstone (responsable del sitar).El resto de composiciones presentadas en este doble monográfico son resultado de colaboraciones artísticas que muestran la apertura estética que tanto caracterizó la vida y la obra de Cuni. Es el caso de "The Lion's Throne", un disco de 2019 realizado junto al pionero del minimalismo norteamericano Terry Riley (nacido en 1935), y editado por el sello Sri Moonshine Music, que dirige el propio Riley para dar salida a su fértil producción compositiva. De ahí extraemos la composición titulada "Cancione" (aunque también figura como "Cántico" en otros lugares).Concluimos este primer programa con un fragmento de una pieza que se presentará con más extensión y detalle en la segunda parte del doble monográfico, y que también resultó de la colaboración de Cuni con otro músico californiano, John Cage (1912-1992). De su "Solo para voz Voz nº 58", perteneciente al primero de los "Libros de canciones (Solos para voz 3-58)" —o, en inglés, "Song Books (Solos for Voice 3-58)"—, Amelia Cuni realizó una singular versión en 2007, con la que despedimos esta primera parte de nuestro homenaje.Escuchar audio
2024-01-06 00:00:00
Duración (h:m:s): 57:07
Retomamos, tras el paréntesis navideño, el doble programa monográfico dedicado al compositor británico Brian Ferneyhough (nacido en Coventry en 1943) con motivo de su octogésimo cumpleaños. Dado que en la primera parte de este monográfico ya se aportaron algunos datos biográficos acerca de Ferneyhough, en esta emisión nos centraremos —después de aportar alguna reflexión adicional sobre el contexto generacional propio de esta figura referencial dentro de la "Escuela de la Nueva Complejidad" (New Complexity)— en la escucha de tres trabajos que ya fueron sucintamente presentados en la anterior emisión consagrada a nuestro protagonista. "Time and Motion Study II" (1973-1976), para violonchelo y electrónica, sobre la cual el propio autor escribe lo siguiente: "Podría decirse que esta obra se construye en torno a la interacción, interpretación y asimilación mutua de dos tipos de material. El material primario consiste en fórmulas rítmicas que ordenan el desarrollo de los acontecimientos en un proceso de variación continua, al tiempo que se combinan con un patrón de longitud de frase rigurosamente predeterminado… El material secundario consiste en una serie de comentarios individuales sobre seis categorías principales de articulación básica, organismos caracterizados por una definición precompositiva mucho menos rigurosa (es decir, un mayor nivel de abstracción inicial) que el material anterior". Respecto de "Time and Motion Study III" (1974), para dieciséis voces, percusión y tratamiento electrónico, Ferneyhough apunta: "La confrontación de voces y amplificadores fue, ante todo, el factor decisivo en el desarrollo intelectual y material de esta pieza. Tuve claro desde el principio —como ya indica la palabra 'confrontación'— que los resultados de esta oposición iban a ser más cualitativos que simplemente cuantitativos. En la transmisión electroacústica del sonido humano siempre he visto mucho más (en algunos aspectos un poco menos) que una simple ampliación de los límites asignados a la voz. Para mí, las voces y su reproducción a través de canales mecánicos constituyen dos campos de expresión muy diferentes: este trabajo se propone poner de relieve algunos aspectos de su oposición". Finalmente escuchamos "Mnemosyne" (1986), para flauta baja y electrónica pregrabada, una obra que ha sido analizada por el musicólogo Paul Griffiths: "Mnemosyne es, en la mitología griega, la diosa de la memoria y madre de las musas. Lo que esta Mnemosyne recuerda es la sustancia subyacente de una hora y cuarto de música anterior, constituida por las otras partes de la secuencia 'Carceri' [d'invenzione]. […] El lento tejido de acordes en cinta se compuso primero, pero como este material se toca también en flautas bajas, y como llega sólo después de que el instrumento en vivo lo haya convocado, la flauta baja que vemos parece estar explorando, hasta el límite, una prisión de su propia creación, una prisión de espejos. 'Es una especie de sonido de catedral bajo el mar', ha dicho también Ferneyhough, 'algo así como el preludio de Debussy, en el que todo se mueve a cámara lenta, y se reduce a un nivel de octava inferior, como una cinta que se reproduce lentamente'". Complementamos estas audiciones con algunos textos sobre Brian Ferneyhough brillantemente escritos por el musicólogo Francisco Ramos —tristemente fallecido en abril de 2022— en su siempre recomendable libro "La música del siglo XX. Una guía completa", publicado en 2013 por la editorial Turner.Escuchar audio
2023-12-16 00:00:00
Duración (h:m:s): 57:11
Se inicia aquí un doble programa monográfico dedicado al compositor británico Brian Ferneyhough (Coventry, 1943) con motivo de su octogésimo cumpleaños. Comenzamos esta emisión, de hecho, compartiendo algunas reflexiones en torno los recientes aniversarios celebrados a través de la programación de Ars Sonora y, más específicamente, cuestionando el posible significado (hoy, y para cualquier plataforma destinada a la difusión de la cultura) de la conmemoración de este tipo de efemérides. Más concretamente aún, en este doble monográfico protagonizado por la música de Ferneyhough (cuyas dos partes quedarán separadas, en la programación de Ars Sonora, por las dos emisiones especiales motivadas, respectivamente, por la Navidad y el Año Nuevo) nos preguntamos acerca del reconocimiento alcanzado por algunos de los compositores más destacados de su generación. Un reconocimiento que podría contrastar con la (siempre relativa) fama, y hasta popularidad, que lograron en su madurez ciertos artistas vinculados a la generación anterior (Xenakis, Ligeti, Nono, Boulez, Stockhausen...). Jalonamos estas y otras consideraciones con la escucha de tres obras de Ferneyhough particularmente representativas de su relación con los medios electroacústicos, así como de una poética que ha sido vinculada a la "Escuela de la Nueva Complejidad" (New Complexity). Precisamente esta circunstancia motivará que en la segunda parte de este monográfico se plantee una experiencia radiofónica poco frecuente, pero quizás reveladora en un caso tan singular como éste. Esas tres audiciones son, sucesivamente: "Time and Motion Study II" (1973-1976), para violonchelo y electrónica, "Time and Motion Study III" (1974), para dieciséis voces, percusión y tratamiento electrónico, y "Mnemosyne" (1986), para flauta baja y electrónica pregrabada.Escuchar audio
2023-10-13 23:00:00
Duración (h:m:s): 16:23
Continuamos conmemorando, a través de un doble programa monográfico, el sesenta aniversario del paso por España del compositor Aram Slobodian (1919-¿1964?). La breve estancia de este autor de ascendencia armenia en la Cuenca de 1963, a pesar de estar rodeada por tantas incertidumbres y preguntas como la propia obra —y la vida— de este precursor del arte sonoro, sigue siendo un acontecimiento tremendamente significativo para la aún incipiente y siempre vacilante musicología española dedicada a investigar las formas de expresión artística más radicales. No obstante, tal y como ya se manifestó en una primera emisión de Ars Sonora presentada en marzo de 2010 bajo el título "Aaron Slobodj" —pseudónimo de este enigmático autor—, el grupo de investigadores formado por Rubén Gutiérrez del Castillo, Ferrer-Molina, Llorenç Barber, Étienne Menard, José Luis Espejo y José Manuel Costa logró, hace ya más de una década, abrir ese capítulo —hasta entonces inexplorado— de la historia de la experimentación sonora. Aquellos esfuerzos se alineaban con los que por aquellas mismas fechas intentaban aportar información acerca de otras figuras pioneras del arte sonoro en España —práctica e inexplicablemente desconocidas no ya sólo para el conjunto de la sociedad, sino también para la comunidad académica musicológica—, como Juan García Castillejo o José Val del Omar, por sólo poner dos ejemplos. En los últimos diez años, y en particular desde la aparición en 2013 del ya inencontrable disco "Aram Slobodian: Homenaje", un conjunto muy diverso de investigadores procedentes de varias disciplinas se ha unido a esa creciente comunidad de estudiosos dedicados a seguir las escasas huellas dejadas por Slobodian, cuya célebre "poética de la desaparición" se aplicaba tanto a su obra como a su modo de vida. Como perfecta muestra de esa nueva hornada de investigadores, en esta segunda parte del monográfico presentamos el testimonio de Ignacio Sánchez Cajal, profesor de contrabajo y doctor en Sonología procedente de Cuenca —la ciudad en la que Slobodian pasó los últimos meses de su vida, quizá atraído por los orígenes de esa otra figura igualmente misteriosa e imprescindible en la historia del arte sonoro español, Juan García Castillejo (nacido en 1903 en Motilla del Palancar)—. Sánchez Cajal ha centrado sus más recientes investigaciones en "Yukani Ventango", la última obra de Aram Slobodian, y como resultado de ellas propone una reconstrucción alternativa de esa composición, que ofrecemos en primicia radiofónica a los oyentes de Ars Sonora. Escuchamos también "Slöcier I" y "Slöcier II", dos obras con las que la artista Rocío Silleras rinde un particular homenaje —partiendo de los planteamientos propios de la hermenéutica de Hans-Georg Gadamer— a "La femme á Barbe" slobodiana. Concluimos este doble monográfico presentando dos recientes hallazgos sobre una posible estancia del compositor armenio en la ciudad de Nueva York (justo después de su paso por Cuenca) realizados por sendos investigadores: Luis E. Parés —cineasta, historiador del cine, programador en diversos festivales y director de la Cineteca de Matadero Madrid— nos relata cómo Slobodian pudo haber presentado una película (o algo similar) en colaboración con Stan Brakhage —ello nos permite conmemorar, mediante la escucha de la obra "Standing Breakage (for Stan Brakhage)", del músico neoyorquino Miguel Frasconi, el noventa aniversario del nacimiento del cineasta, así como los veinte años transcurridos desde su fallecimiento—. Por su parte, Isaac Diego García Fernández —musicólogo y artista sonoro— nos presenta las conclusiones de sus últimas pesquisas en los archivos de la Foundation for Iberian Music, con sede en CUNY (City University of New York). Escuchar audio
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- cronología: Directores de orquesta (Oceanía).
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