Ígor Stravinsky 4 Estudios, Opp. 7 Vídeos
Última actualización
2024-03-29
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Louis Andriessen Mariss Jansons Hendrik Andriessen Boulez Stravinsky Baaren Berio Guevara Schat Reinbert Leeuw Mengelberg Stockhausen Koninklijk Concertgebouworkest Hoketus Royal Concertgebouw Amsterdam Holland Festival 1939 1957 1962 1963 1965 1966 1968 1969 1972 1973 1976 1977 2013
Louis Andriessen (1939) Mysteriën (Mysteries) : for orchestra (2013) Orchestra: Koninklijk Concertgebouworkest Conductor: Mariss Jansons Commissioned by the Royal Concertgebouw Amsterdam for the Royal Concertgebouw Orchestra on the occasion of the 125th anniversary of both hall and orchestra Louis Andriessen is a Dutch composer, son of Hendrik Andriessen. After a few youthful works influenced by neo-classicism and serialism in the manner of Boulez he moved steadily away from the postwar European avant garde and towards American minimalism, jazz and Stravinsky. Out of these elements he has developed a musical language marked by extremes of ritual and masquerade, of monumentality and intimacy, of formal rigour and intuitive empiricism. The epitome of the Hague School, he is regarded as the most influential Dutch composer of his generation. Andriessen was born the youngest son of a musical family. His father and his elder brother Jurriaan, who passed on to him his musical experiences of Stravinskian neo-classicism and jazz, were his earliest mentors. Between 1957 and 1962 he studied composition at the Royal Conservatory in The Hague with Van Baaren. After receiving the composition prize there, he continued his studies with Berio in Berlin and Milan +••.••(...)). Back in the Netherlands he played an active role in the increasing politicization of the arts put into practice during the Holland Festival in 1969 with the collective work Reconstructie, a music-theatre morality based on the character of Che Guevara; the composers involved were Schat, van Vlijmen, Reinbert de Leeuw and Misha Mengelberg, all former students of Van Baaren. Later the same year Andriessen was involved in the Notenkrakersactie, the disruption of a concert by the Concertgebouw Orchestra, whose artistic policy the protesters regarded as reactionary. This controversial act has since come to be seen as a turning-point in postwar Dutch musical life. For Andriessen it led to a permanent abandonment of the medium of the symphony orchestra. Convinced that musical renewal cannot be separated from the renewal of performance practice, he set up in 1972 De Volharding ('Perseverance') to perform his composition of the same name, and similarly in 1977, Hoketus, the result of a project at the Royal Conservatory; both ensembles have gone on to stimulate extensive new repertories. Andriessen began to teach composition and instrumentation at the Royal Conservatory in 1973, and in the mid-1980s started to be in great demand as a guest lecturer, particularly in the USA. It may be tempting to regard the première of De staat in 1976 as marking the birth of the 'real' Andriessen. A typically European response to the more ethereal American minimalism of the time, it made his name internationally. It is the first work in a line of monumental, for the most part 'didactic' compositions which mark moments of synthesis and re-orientation in his output; it also unveiled Andriessen's characteristic sonorities of brass, keyboards and bass guitars. However, his output from before De staat should not be viewed merely as a preliminary stage, since in it a number of distinctive (albeit short-lived) styles and techniques are discernible, becoming marked increasingly by personal features. At the extremes stand the graphic composition Registers (1963) and the exercise in youthful sentiment Souvenirs d'enfance (1966). In Ittrospezione III (Concept I) serial methods derived from Boulez are uneasily combined with a Cageian conceptualism, though pre-echoes of De staat are occasionally apparent in the work's instrumentation and form. Contra tempus of 1968 reveals Andriessen explicitly turning away from the avant garde's rejection of the past. The montage form, the mixture of static, 'chorale' continuos of sound, traced by the composer to such variable sources as Stockhausen's Momente, Stravinsky and pre-tonality, and the big-band-like instrumentation, all point in another direction. Most of all it is Stravinsky whom Andriessen considered / 'with his hand on my shoulder' / the model; the last chord of the work is the opening one of the Symphony of Psalms. With De volharding (1972), Andriessen moved a step closer to De staat. Composed in response to American minimalism in general and to Riley's In C in particular, the musico-political convictions which have determined Andriessen's development are reflected in the title, with its reference to the ideals of the early 20th-century labour movement
Krzysztof Penderecki Graciane Finzi Finzi Alma Mahler Mahler Clara Schumann Schumann Igor Stravinsky Wolfgang Amadeus Mozart Stille Philharmonie Paris 2022
#ANNASULKOWSKAMIGON #LAMAESTRA Un programme éclectique dirigé par la cheffe polonaise Anna Sułkowska-Migoń et interprété par le Paris Mozart Orchestra. Née à Cracovie, Anna Sułkowska-Migoń étudie actuellement la direction d’orchestre et la direction de chœur au sein de l’Académie de musique Krzysztof Penderecki. Jeune cheffre d’orchestre prometteuse, l’artiste est déjà titulaire de bourses d’études prestigieuses, a collaboré avec de grands noms de la musique classique et a brillé au sein de grandes masterclasses. Définitivement une artiste à suivre ! Ce programme baptisé « L’Existence du Possible et autres pièces » associe des œuvres interprétées sur quatre jours à la Philharmonie de Paris. Son point d’orgue, L’Existence du Possible de la compositrice contemporaine Graciane Finzi, est présentée ici en création mondiale. Entourant cette œuvre contemporaine, des compositions de Mozart, Alma Mahler, Clara Schumann ou encore Stravinsky montrent toute la palette musicale d’Anna Sułkowska-Migoń et du Paris Mozart Orchestra. Programme : Wolfgang Amadeus Mozart – Don Giovanni, ouverture Alma Mahler – 3 Lieder, Die stille Stadt – Waldseligkeit – Bei dir ist es traut Clara Schumann – Concerto pour piano en la mineur, 3ème mouvement Graciane Finzi – L’Existence du Possible (création mondiale) Igor Stravinsky – Suite de Pulcinella Images filmées entre le 3 et le 6 mars 2022 à la Philharmonie de Paris. Photo Masha Mosconi / [AVAILABLE UNTIL 24/04/2024] / More concerts on our website : (http•••) You can also find us on : Facebook : (http•••) Twitter : (http•••) Instagram FR : (http•••) Instagram DE : (http•••)
Béla Bartók Franz Liszt Hans Koessler Max Reger Johannes Brahms István Thomán David Popper Dittrich Stravinsky Malipiero Milhaud Debussy Franz Liszt Academy Music 1885 1895 1903 1904 1905 1908 1958
Samuel Michalec - Piano 00:00 Allegro Appasionato 08:56 Tempo di minuetto - Poco piu lento - Andante con motto - Allegro molto moderato Alexander Albrecht +••.••(...)) was a Slovak composer and an important exponent of the Slovak music in the first half of the 20th century. From 1895 to 1903 he attended the Royal Catholic Gymnasium in Bratislava, where he met and befriended Béla Bartók. From 1904 to 1908 he studied at the Franz Liszt Academy of Music in Budapest. He studied composition as a pupil of Hans Koessler (a cousin of Max Reger and a great admirer of Johannes Brahms), and piano with István Thomán. Among his other teachers were Ferencz Szandtner, with whom he studied conducting, and David Popper (a chamber music teacher). During his studies Albrecht asserted himself as a successful pianist. Following his return to Bratislava in 1908, he accepted the post of organist at the St. Martin's Cathedral. Simultaneously he perfected his organ playing technique with Rudolph Dittrich in Vienna. He began his composing career at the Budapest Academy. His teacher Hans Koessler attempted to instill the classical composing principles in his pupils, but Albrecht found an inspiration also in modern compositions of his contemporaries. He studied works of Stravinsky, Malipiero, Milhaud, Reger, Debussy and others. He commited suicide.
Amadeo Roldán Gallardo Pablo Sarasate Conrado Campo Alejandro García Caturla Stravinsky Schoenberg Cabrera Henry Cowell Edgard Varèse John Cage Tambuco Albertina 1900 1908 1916 1917 1919 1922 1924 1925 1927 1928 1929 1930 1932 1933 1939 1996
Interpretación: Ricardo Gallardo & Ensamble Tambuco e invitados [Grabación efectuada en Septiembre de 1996; Sala Nezahualcóyotl, CDMX] Amadeo Roldán Gardés (París, Francia 12/VII/1900 † 07/III/1939 La Habana, Cuba) Compositor, violinista y director de orquesta. Hijo primogénito de Moisés Roldán (español) y Albertina Gardés (cubana), Amadeo nació en la capital francesa debido a que sus familiares asistieron a la Exposición Universal de París 1900; desde su infancia hasta la adolescencia vivió en Madrid. En 1908 ingresó al Real Conservatorio de Música y Declamación para estudiar solfeo, armonía y violín, se graduó con honores en 1916; un año antes de concluir estudios obtuvo el Primer Premio del 'Concurso Internacional de Violín Pablo Sarasate'. En 1917 se incorporó a la Orquesta Filarmónica de Madrid, en paralelo emprendió clases particulares de composición con Conrado del Campo hasta 1919; a mediados de aquel año se trasladó junto a toda su familia a Cuba para radicar en La Habana. De ahí en adelante Roldán figuraría a la postre como uno de los gigantes de la modernidad musical cubana. Al poco tiempo de su llegada a la isla, Roldán obtuvo la nacionalidad cubana y entabló amistad con el compositor Pedro Sanjuán Nortes con quien prosiguió sus estudios de composición durante el lapso 1919-1922. También se relacionó ideológicamente con Alejo Carpentier, uno de los pensadores más ilustres y defensores del 'Afrocubanismo' que era la bandera insigne del 'Grupo Minorista', una agrupación de arte vanguardista con alto contenido político en Cuba por aquellos años. En 1922 se desempeñó Roldán como Concertino de la Sinfónica de La Habana (en la misma agrupación conoció a Alejandro García Caturla, fiel colega y futuro gran compositor de la escena modernista afrocubana); al reformarse en 1924 la orquesta como Filarmónica y puesta su conducción en manos de Pedro Sanjuán, Roldán inicia su actividad como director de orquesta. Para 1925 se desempeñó como subdirector y en 1932 fue designado director artístico de la Filarmónica de La Habana. Esta orquesta fue pionera en dar a conocer en Cuba las obras más relevantes de Bartok, Stravinsky, Schoenberg y demás compositores modernistas de su tiempo. En el campo camerístico fundó en 1927 el Cuarteto de Cuerdas de La Habana cuyos integrantes eran Amadeo Roldán (violín 1°), Rafael Cabrera (violín 2°), José Sinelnikow (viola) y -el hermano menor del compositor- Alberto Roldán (violonchelo). A partir de 1928 figuró Roldán como miembro de la 'Pan-American Association of Composers' que gestaba Henry Cowell, su principal promotor; en 1930 Roldán fue designado como director de la West Indies Sections de dicha cooperativa. En sus últimos años de vida se desempeñó como catedrático de armonía y composición en la Escuela Normal de Música y el Conservatorio Municipal de La Habana. Con casi 39 años de edad Roldán dejó trunca su brillante carrera musical pues falleció a causa de un Cáncer facial que le desfiguró el rostro, ya que en vida había sido un fumador empedernido. RÍTMICAS: V y VI. Esta es una colección de piezas que fue compuesta entre 1929-30 en dos series, la primera (I-IV) para Quinteto de Alientos y Piano, mientras que la segunda (V y VI) para 11 percusionistas. De la Serie II es sobre la que nos ocuparemos. Dentro de la música de cámara del siglo XX, 'Ionisation' de Edgard Varèse y las 'Rítmicas' de Roldán abrieron un nuevo género hasta entonces insólito: El Ensamble de Percusiones. Sin embargo, mientras que la primera fue estrenada en marzo de 1933 y rápidamente considerada como un ejemplo indiscutible de la vanguardia musical, el destino de las Rítmicas (escritas en 1930) fue tenue y parco. En gran medida esto fue provocado por el propio compositor, quien mostró escaso interés para que fuesen difundidas estas piezas; se desconoce la fecha de su estreno, pero la más antigua referencia que avala el haber sido interpretadas públicamente las RÍTMICAS V y VI es el Concierto que dio John Cage en la Cornish School de Seattle, el 9 de diciembre de 1939, pocos meses después de la muerte de Roldán. En las RÍTMICAS V y VI se condensan varias yuxtaposiciones polirrítmicas que generan la sensación de una ágil improvisación espontanea aunque todo está meticulosamente bien escrito y medido; además, el carácter de cada toma como base el Son (V) y la Rumba (VI), que pese a lo breve de su duración, son gigantes en cuanto a su propuesta y alcance originales, pues el planteamiento pone en alto relieve las expresiones vernáculas intrínsecas de la música con instrumentos de origen afrocubano, en sincronía con un pensamiento musical de vanguardia y claramente personal.
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