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2024-05-03
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John Dowland Salta Eduardo Alonso Crespo Shakespeare Fresco Haydn Johannes Brahms Spiller Benzecry Orquesta Sinfónica Nacional Argentina 1971 2000
Variaciones Dowland op. 12, para orquesta En el año 1971, con 15 años, asistí a la proyección de la que hasta hoy considero la mejor adaptación para el cine de Macbeth, esa inmortal metáfora de Shakespeare sobre la ambición y el poder. La genial obra de Roman Polansky creaba un fresco visual tan impactante que muchos años después me sirvió como punto de partida para componer la música incidental para una exitosa producción teatral de la tragedia. Años más tarde, al programar un concierto que incluía las Variaciones Haydn de Johannes Brahms, me encontré con la necesidad de una obra que pudiera combinarse junto con esa famosa composición y que al mismo tiempo aportara una propuesta contrastante a la obra más seria y abstracta de Brahms. Recurrí entonces a aquella música incidental ya que incluía un número llamado Fiesta en Inverness (el castillo de los Macbeth) que desarrollaba un conjunto de variaciones sobre un tema de John Dowland, compositor inglés isabelino, contemporáneo de Shakespeare. Ese material proveyó el punto de partida para las Variaciones Dowland, obra estructurada en tres partes que se ejecutan sin interrupción. Un Prólogo establece el carácter – un tanto oscuro, intrigante y peligroso, derivado de la tragedia de Macbeth – para esta aventura musical. Luego de esta vasta introducción se presenta la música de Dowland instrumentada solo para vientos y percusión, seguida de un conjunto de Variaciones, incluyendo una Gymnopédie en la variación cuarta. Cuando todo parece llegar a un brillante final se introduce el Epílogo restaurando la atmósfera teatral de la introducción y llevando la obra a su conclusión. Desde su estreno en el año 2000 la obra fue interpretada por la Orquesta Sinfónica de Salta, la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, la Orquesta Sinfónica de Tucumán, la Orquesta Sinfónica de Rosario, la Orquesta Sinfónica de Entre Ríos, la Orquesta Sinfónica de Mar del Plata, la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional José de San Martín y la Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata, y en versiones a cargo de los maestros Eduardo Alonso-Crespo, Julio Lazarte, Andrés Spiller, Mario Benzecry, Abel Ghelman, Luis Gorelik y Bernardo Teruggi. La obra está instrumentada para dos flautas con piccolo, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos cornos, dos trompetas, arpa, piano, percusión, timbales y cuerdas, y dura quince minutos aproximadamente.
Eduardo Alonso Crespo John Dowland Haydn Johannes Brahms William Shakespeare Salta Benzecry Spiller Orquesta Sinfónica Nacional Argentina 1994 2000
00:00:00 Prólogo 00:03:35 Tema con variaciones 00:13:45 Epílogo Hace algún tiempo, al programar un concierto que incluía las Variaciones Haydn de Johannes Brahms, el compositor y director argentino Eduardo Alonso-Crespo se encontró con la necesidad de una obra que pudiera combinarse junto con esa famosa composición y que al mismo tiempo aportara una propuesta contrastante a la obra más seria y abstracta de Brahms. Recurrió entonces a la música incidental que había compuesto en 1994 para una producción teatral de Macbeth de William Shakespeare. Aquella música incluía un número llamado Fiesta en Inverness (el castillo de los Macbeth) que desarrollaba un conjunto de variaciones sobre un tema de John Dowland, compositor inglés isabelino, contemporáneo de Shakespeare. Ese material proveyó el punto de partida para las Variaciones Dowland, obra estructurada en tres partes que se ejecutan sin interrupción. Un Prólogo establece el carácter - un tanto oscuro, intrigante y peligroso, derivado de la tragedia de Macbeth - para esta aventura musical. Luego de esta vasta introducción se presenta la música de Dowland instrumentada solo para vientos y percusión, seguida de un conjunto de Variaciones, incluyendo una exquisita Gymnopédie en la variación cuarta. Cuando todo parece llegar a un brillante final se introduce el Epílogo restaurando la atmósfera teatral de la introducción y llevando la obra a su conclusión. La composición fue estrenada bajo la dirección del autor por la Orquesta Sinfónica de Rosario en Argentina en junio de 2000 e interpretada desde entonces por la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, la Orquesta Sinfónica de Tucumán, la Orquesta Sinfónica de Salta, la Orquesta Sinfónica de Entre Ríos, la Orquesta Sinfónica de Mar del Plata, la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional José de San Martín y la Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata, y en versiones a cargo de los maestros Julio Lazarte, Eduardo Alonso-Crespo, Mario Benzecry, Abel Ghelman, Luis Gorelik, Bernardo Teruggi y Andrés Spiller.
Eduardo Alonso Crespo Salta Mellon 1944
00:00:00 I.- Introduzione (Canción de cuna y augurios) 00:08:10 II.- Scherzo I (Scherzo nocturno) 00:11:12 III.- Tempo di Menuetto (Minué antiguo) 00:16:39 IV.- Allegro alla marcia (Marcha de las tentaciones) 00:22:29 V.- Larghetto (Canción simple) 00:29:19 VI.- Scherzo II (Scherzo diurno) 00:32:48 VII.- Finale (Coral y nuevos augurios) (English description at: (http•••) ) Orquesta Sinfónica de Salta, Argentina. Eduardo Alonso-Crespo, director. Pinturas: Serie "Hoka-Néni", de Valentin Lustig. La Cuarta Sinfonía op. 25 de Eduardo Alonso-Crespo fue comisionada por la historiadora del arte e investigadora Dra. Edith Balas, de la Universidad de Carnegie Mellon en Pittsburgh, EE.UU., y nace de la idea de la Dra. Balas de incorporar el lenguaje sinfónico al discurso artístico iniciado por una serie de siete pinturas. Esa serie de pinturas se titula "Hoka-Néni" (Tía Hoka en húngaro) y fueron pintadas por Valentin Lustig, artista húngaro-rumano residente en Suiza. Su tema es la vida, las tentaciones y el destino de un ama de casa común de la ciudad de Cluj en Transilvania, quien sufrió persecución durante la Segunda Guerra Mundial y quien fue exterminada, junto con sus cuatro hijos, en un campo de concentración en 1944. La serie de pinturas Hoka-Néni es la obra más importante hasta hoy del pintor Valentin Lustig. Lleva el largo subtítulo "Siete Pinturas, siendo la historia de la vida y hechos de la incomparable Tía Hoka, fielmente representados en siete partes por su sobrino Valentin Lustig, pintor en Zurich". Consiste en siete óleos creados como una narración continua y para ser leída como un todo, como un políptico. En esta Cuarta Sinfonía, nacida del estímulo de las artes visuales, la estructura es particularmente interesante: contiene todos los componentes de una sinfonía tradicional, incluyendo el usual allegro sonata, dos scherzos, un minué, dos movimientos lentos y un finale, pero con el orden alterado para seguir el arco dramático descrito por el políptico de Lustig. Así, el movimiento principal de la sinfonía, que tradicionalmente es el allegro sonata y que habitualmente aparece al comienzo, está localizado en el centro de la sinfonía, como la piedra clave de un arco. Se convierte así en el cuarto movimiento, titulado Allegro alla marcia y subtitulado Marcha de las tentaciones. De este modo, el principal movimiento de la sinfonía corresponde al principal cuadro de la serie de Lustig, "La Tentación de Hoka-Néni". El plan tonal de la sinfonía también describe un arco, siendo las tonalidades de los movimientos La, Sol, Do, Do sostenido, Re, Mi y La. Dos movimientos lentos reemplazan el tradicional adagio y corresponden a los cuadros primero y quinto, ambos relacionados con niños: Hoka-Néni misma como una recién nacida y los hijos de Hoka-Néni respectivamente. Dos scherzos corresponden los cuadros segundo y sexto: un scherzo nocturno corresponde al cuadro "Hoka-Néni descubre la luna", mientras que un scherzo diurno refiere al lienzo "Visión del monumento a Hoka-Néni durante un día de mercado en la Plaza Helvetia en Zurich", un mercado bullicioso ensombrecido por el fantasma de la pérdida y la partida. Un momento peculiar es introducido por el tercer movimiento, titulado Tempo di menuetto y subtitulado Minué antiguo, en el que el compositor retrata el arte y el pensamiento clásicos, la orgullosa tradición de Goethe, con un toque irónico y surrealista. Por último, en séptimo lugar, un Finale subtitulado Coral y nuevos augurios y nuevos augurios lleva el ciclo a su conclusión, dejándonos con una extraña sensación de nostalgia, redención y esperanza. Further information at: www.eduardoalonsocrespo.net
Andrés Cárdenes Salta Lepage Bach 2003 2004 2005
00:00:00 Chacona 00:03:51 Tango 00:09:12 Aria (Berceuse) 00:14:27 Fugado El Concierto en Tiempo de Tango para violín solista y orquesta de cuerdas fue compuesto por encargo de Andrés Cárdenes, concertino de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, y a él está dedicado "con afecto y admiración". Fue compuesto en 2004 y estrenado por esa orquesta en abril de 2005 con Andrés Cárdenes como solista y director. El estreno argentino tuvo lugar el 1ro. de septiembre de 2005, con Franco Falci como solista junto a la Orquesta Sinfónica de Salta dirigida por el compositor. La obra continúa una serie de conciertos para instrumentos solistas y orquesta de cuerdas comenzada por el compositor hace algunos años. La serie ya incluye obras concertantes para clarinete, piano y viola como solistas, esta última presentada por la Orquesta Municipal de Cuerdas de Córdoba con Alberto Lepage como solista en 2003. El Concierto en Tiempo de Tango explora las cercanas relaciones entre el tango y la música barroca tanto técnica como estéticamente, ya que la música y la danza del tango están profundamente marcadas por los ornatos, adornos y giros que normalmente asociamos con el Barroco. Más precisamente, las coreografías de los bailarines de tango, con sus actitudes atracción y rechazo de fuerte tensión sexual, son tan ricas en sus complejas evoluciones que la conexión con la música barroca resultó evidente para el compositor. Este punto de partida explica el título general y los movimientos de la obra. En el primer movimiento el solista es presentado exhibiendo su excitante habilidad técnica con el violín como una manera de impresionar a su compañera. Para este fin el compositor decidió escribir una chacona como homenaje al violín de todos los tiempos a través del uso de esta forma arcaica tan brillantemente inmortalizada por J. S. Bach. Está hecha de una breve introducción, a modo de nostálgica mirada a un tiempo pasado en el que la pareja se conoció íntimamente, seguida de una serie de doce variaciones. Estas variaciones viajan por las doce tonalidades de la escala cromática a través de intervalos de quintas descendentes hasta que alcanzan una breve coda. El uso de modos arcaicos da a la pieza una coloración terrenal que se suma al requerido tiempo de tango. El movimiento siguiente, titulado precisamente Tango, comienza con una lenta e intensa introducción que propone avances audaces y galantes del solista, los que son de alguna manera replicados y aceptados por la orquesta. Eventualmente el entendimiento es completo y el ritmo se desata libremente. Una tierna Aria le sigue, con sutiles matices de una berceuse, como si nuestro protagonista tratara de acunar a su pareja asegurándole que no todo es puro deseo, sino que hay amor también. Nuevamente el uso de modos arcaicos confiere a la música un tono nostálgico y melancólico. Finalmente, el amor es consumado a través del tejido de un movimiento fugado, cuando los amantes se entrelazan íntimamente, persiguiéndose, buscándose, adorándose y tratando de alcanzar la unidad de sus cuerpos y de sus almas. Claudio Aprile
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