Salle Érard Vídeos
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2024-05-03
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César Franck Fourcaud Salle Érard 1887 1888
Psyché FWV 47 est un poème symphonique composé en 1887 par César Franck, sur un texte de Sicard et Louis de Fourcaud, inspiré des Métamorphoses d'Apulée. Création le 10 mars 1888 au concert de la Société nationale de musique, salle Érard à Paris, sous la direction du compositeur.
Salle Érard César Franck Uribe Uribe Holguín Eje Bach Sincero Stevenson Guzmán Sequentia
El presente trabajo del Grupo INTERDÍS "CLAROSCURO (la tragedia de un gran músico)", acerca del itinerario vital y artístico de Antonio María Valencia, merece con ventaja la esperada divulgación que se le da a partir de ahora. ¿Por qué? Es muy sencillo: a mi juicio es uno de los mejores trabajos que ha realizado este colectivo comandado por la infatigable Galina Likosova. Y es uno de los mejores en muchos sentidos: el contenido humano con toda su carga de desgarro y de dolor, la narración flexible y ágil a través de las imágenes, la poesía plasamada en los hermosos paisajaes, la respetuosa objetividad blandida por los estrevistados y sus juicios revestidos de una total ausencia de hipocresía mojigata. Todo se hace más grande, más importante, más real y más presente la figura del personeje protagonista. El documental está dividido en cuatro capítulos. En todos ellos Galina hace el papel de vehículo de empalme con breves intervenciones que evitan la dilatación innecesaria de ciertos aspectos que no vendrían al caso. El primer sector o capítulo se ocupa de generalidades: el rol de Valencia en su medio y su importancia como colonizador cultural en su propia ciudad. El segundo sector se refiere al medio cultural caleño a comienzos del siglo XX y el viaje a Francia. Como valor agregado es notable el enriquecimiento que ha adquirido el documental con la incorporación de secuencias filmadas en el París actual, mostrándonos que es muy poco lo que han cambiado los escenarios que habitó y recorrió allí Antonio María Valencia: la Salle Érard, escenario de sus primeros triunfos, la iglesia de Sainte-Clotilde y el imponente órgano que pulsó durante 33 años César Franck, la plaza de l´Opéra y un curioso contraste entre música e imágenes: París con fondo de pasillos colombianos. Algo que me llenó de emoción fue el comprobar que su domicilio - el edificio, los balcones y el interior - se mantiene prácticamente intacto y, antes bien, decorado con flores. ¿Es casual o hay alguien allá que conserva el culto a su memoria? El tercer sector está íntegramente dedicado a la época del retorno de Valencia a su país y todo lo que de allí se derivó: Bogotá, Uribe Holguín, el Conversatorio, la obra pedagógica y la tesonera construcción nada fácil de un medio artístico duradero en la música y en la plástica, y en general en lo cultural. El sector final tiene como eje la derrota moral y física del protagonista, la imcomprensión en su propio medio, la bajeza de ciertos sectores de doble moral, su memoria vilmente estropeada por el olvido y la negligencia. A lo largo de todo este bello trabajo se van hilvanando fragmentos de las obras que legó a la posteridad Antonio María. Unsd veces como fondo en "off" y otras con los intérpretes de cuerpo presente. Allí desfilan sus obras para piano: la Suite en el estilo de Bach, el Pasillo en mí bemol menor. Obras de cámara: "Emociones caucanas", "Égloga incaica", Canción de cuna para violín y piano, y obras vocales y corales: "Coplas populares colombianas", el duetto "Canción de Mayo" y un fondo muy fugaz y casi imperceptible del Kyrie de la Misa de Santa Cecilia. A casi 60 años del deceso de Valencia, las nuevas generaciones, la sangre fresca musical, comienzan a volcar su mirada hacia la obra del que fuera el iniciador de una seria y profesional vida artística en Cali. Y unas reflexiones finales. Es notable que Antonio María Valencia genere tanto interés en músicos que no son de este país: el Trío "Emociones Caucanas", su obra más emblemática ha recorriod prácticamente el mundo entero con éxito de crítica y sincero interés. Además, no en balde existen este documental y los dos volúmenes de "Imagen y obra de Antonio María Valencia". Cuando me fue otorgada la Mención Honorífica del Premio "Robert Stevenson", por un embajodor ad hoc del CIDEM, de la Organización de Estados Americanos con sede en Washington, D.C., dije que el libro que dos años antes había ofrecido a la opinión del medio musical nacional, no cumpliría su verdadero objetivo sino cuando la obra de Valencia allí contenida fuera divulgada y grabada. Uno de los primeros en asumir el reto fue mi colega Alberto Guzmán, con la grabación en CD de un número considerable de obras corales a cargo de su "Ensamble Sequentia". Ahora son Galina, Hernán Humberto y Luis Carlos quienes han recogido el guante y nos regalan con un hermoso e impecable trabajo que no sólo enaltece la memoria de Antonio María Valencia sino que también habla muy bien del profesionalismo y la entrega del Grupo INTERDÍS. MARIO GÓMEZ-VIGNES
Beethoven Ronald Brautigam Franz Liszt Corda 1818 1836
Beethoven Piano Sonata No.29 in B flat major "Hammerklavier" - Ronald Brautigam. Ludwig van Beethoven's Piano Sonata No. 29 in B♭ major, Op. 106 (known as the Große Sonate für das Hammerklavier, or more simply as the Hammerklavier) is a piano sonata that is widely viewed as one of the most important works of the composer's third period and among the greatest piano sonatas of all time. Completed in 1818, it is often considered to be Beethoven's most technically challenging piano composition[1] and one of the most demanding solo works in the classical piano repertoire.[2][3] The first documented public performance was in 1836 by Franz Liszt in the Salle Erard in Paris Read it at all on: (http•••) 0:19 Mov I - Allegro. Beethoven introduces the sonata with a note and then the chord, marking a very lively and joyful beginning, and at the same time even melancholy, and tracing a second theme in an unexpected key, in the case of G major, the relative minor of Bb major, only major. Beethoven makes the notes discordant in calmness and vivacity, at the same time keeping everything just right, writing parts with long trills that Brautigam highlights a lot. In 5:17 Beethoven makes a quick transition to C minor which makes things much better, and uses the motif at the beginning of the sonata to make a fugettha. Beethoven develops probably all the motifs of the entire Sonata and makes a transition that every time I listen I connect with the transition to the return of Beethoven's fourth symphony exposition. Beethoven closes the sonata with a golden key with a splendid coda. 10:55 Mov II - Scherzo Assai Vivace. Beethoven plays with little jumps in this scherzo all the time giving the purest impression there is of a scherzo, a joke, in addition he repeats all the phrases an octave higher. In the "Trio" Beethoven brings a contrast with a melancholic melody and linked in Bb minor, and of course in Db major, in addition, he writes a Presto also in Bb minor, after a long after a long scale of F major, Beethoven returns to the identical theme but this time at the end he uses the note B in octaves to contrast the key of Bb major. 13:22 Mov III - Adagio Sostenuto. Here Beethoven brings the greatest depth found in her work to date, at least in my opinion this movement is one of the most romantic and most beautiful ever written for the pianistic repertoire. This movement explores the pedal una corda as almost never Beethoven had done before, writing incredible phrases but never leaving simplicity. This movement is in sonata form, which makes it much larger than the common slow movements in sonatas, the movement is almost 20 minutes long, which is extremely long for a movement of this type, but it only adds to the depth and shows the dedication Beethoven gave to the movement. The only surviving draft of Beethoven's Sonata No.29 is from this movement, the others have been lost to time. This move for me is like an opening for the upcoming Gran Finale. 29:11 Mov IV - Largo - Allegro risoluto. I always compare this movement as a predecessor of what would be Beethoven's Grosse Fuge, in this movement beethoven brings a little introduction to this movement and explodes in 31:31 with a big and beautiful fuge, Beethoven shows us an extremely complex and very creative motif which reminds me a lot of the main motif of the Finale of Beethoven's Second Symphony. I have no words to fully describe this movement as it is very complex but at the same time very simple. In the midst of much "confusion" between the motifs beethoven writes a chorale, in 36:56 Beethoven shows us that not all in fuge need to be confusing. Beethoven makes a simply sensational and moving coda mixing octaves and trills and thus ends the biggest of Beethoven's sonatas. Sheet: (http•••) Long live Ukraine ???? Ps: This score is not 100% Beethoven's original but one of the most common and detailed with the things he put, certain notes and pedals don't match what he actually wrote.
Claude Debussy Ricardo Viñes Maurice Ravel Angela Hewitt Émile Vuillermoz Erik Satie Scarlatti Salle Érard 1887 1901 1902 2018
Pour le piano (For the piano), L. 95, is a suite for solo piano by Claude Debussy. It consists of three individually composed movements, Prélude, Sarabande and Toccata. The suite was completed and published in 1901. It was premiered on 11 January 1902 at the Salle Érard, played by Ricardo Viñes. Maurice Ravel orchestrated the middle movement. Regarded as Debussy's first mature piano composition, the suite has frequently been recorded. Bärenreiter published a critical edition in 2018, on the occasion of the centenary of Debussy's death. Pour le piano has been regarded as Debussy's first mature piano work. The suite consists of three movements: Prélude - 00:00 Sarabande - 04:11 Toccata - 09:26 The first movement, called Prélude, is marked "Assez animé et très rythmé" (With spirit and very rhythmically). It was dedicated to Debussy's student Mlle Worms de Romilly, who notes that the movement "tellingly evokes the gongs and music of Java". The pianist Angela Hewitt notes that Prélude begins with a theme in the bass, followed by a long pedal point passage. The theme is repeated in chords marked fortissimo, together with glissando runs that Debussy connected to "d’Artagnan drawing his sword". In a middle section, the left hand holds a pedal point in A-flat whole-tone, to which the right hand adds colours. The conclusion is marked "Tempo di cadenza", again with glissando-figures. Sarabande is marked "Avec une élégance grave et lente" (With a slow and solemn elegance). Debussy said it should be "rather like an old portrait in the Louvre". Émile Vuillermoz described Debussy's playing of the movement as "with the easy simplicity of a good dancer from the sixteenth century". Hewitt calls it "antique and modern at the same time". The movement has been regarded as "among the most intimate music for the keyboard", showing an affinity to Erik Satie such as his 1887 three dances called Sarabandes. The last movement is a toccata, marked "Vif" (Lively). It has been described as "poised and energetic, extroverted and graceful" and shows influences from Scarlatti's sonatas. Hewitt notes about the virtuoso writing that speed alone wasn't Debussy's goal, but rather clarity. A reviewer described the suite as "possibly foreshadowing the neo-classical Debussy that emerged in his last years".
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